ILUSIONES  ÓPTICAS

Las ilusiones ópticas son efectos sobre el sentido de la vista, caracterizados por la percepción visual de imágenes que son falsas o erróneas. Falsas si no existe realmente lo que el cerebro ve o erróneas si el cerebro interpreta equivocadamente la información visual.

Las ilusiones cognitivas se subdividen en:

• Deformaciones:

Consisten en errores de percepción del tamaño, la longitud, la curvatura, los ángulos o cualquier otra propiedad geométrica. Otras de esta misma categoría son la llamada pared de la cafetería (porque fue descrita por alguien que la observó en la pared de azulejos de una cafetería) en la que las líneas horizontales que separan las filas de cuadrados son todas rectas y paralelas a pesar de la fuerte impresión de curvatura de las mismas. De hecho todos los dibujos, pinturas y fotografías que representan una perspectiva se incluyen en las deformaciones, puesto que se modifica la proporción relativa de las dimensiones y los ángulos para "aparentar" distancia y profundidad, es decir, tridimensionalidad, cuando en realidad la figura es plana, bidimensional.

• Paradojas:

Presentan objetos imposibles. Un gran aficionado a crear este tipo de figuras fue el pintor M. C. Escher, que creó efectos sorprendentes como escaleras ascendentes que comienzan y terminan en el mismo punto. Otra figura clásica es el triángulo de Penrose.

• Ficciones

Es la percepción de imágenes que en realidad no existen. Este tipo de ilusiones ópticas suelen ser consecuencia de estados de alteración mental.

• Ambigüedades

Son figuras que presentan dos alternativas de percepción. por ejemplo el jarrón de Rubín.

un punto aparte es la ambigüedad visual como técnica consiste en representar una forma gráfica (logotipos) utilizando otros elementos concretos como las letras o numerosos colores. tambien se le conoce con la denominación de "ver y mirar".

VER: es observar superficialmente un objeto.

MIRAR: es observar detenidamente un objeto o gráfico.

                            Veo: una pieza de rompecabezas    /    Veo: una paloma

                            Miro: los números 2 y 3                 /    Miro: la palabra PAZ

Actividad: representar dos logotipos distintos aplicando la técnica de la ambigüedad visual.

C.D.T.

FILOSOFÍA DEL ARTE

  

Todo ser humano siempre ha tenido emociones, estéticas leves o intensas, y con frecuencia de sorprendente calidad. Como el hombre es un ser racional, es el único ser capaz de admirar la belleza.

El estudio filosófico de la experiencia estética de sus diversos tipos, de los objetos que la producen, del significado que tienen para la vida humana se denomina estética.

ESTÉTICA

viene del griego “aisthetikon” que significa “lo que tiene carácter sensible”, es decir, aquello que se aprende por medio de los sentidos.

La experiencia estética es, pues, esencialmente contemplativa. El que la tiene, siente la atracción de un objeto no para utilizarlo, sino exclusivamente para contemplarlo. Como hay experiencias estéticas no visuales (musicales, poéticas), existen dos tipos de experiencia estéticas: una es la experiencia estética de objetos naturales y de los objetos artificiales (es decir objetos producidos por el arte). Una aurora, un atardecer, una flor brillando al sol, una noche de luna, son fenómenos estéticos de nuestra experiencia cotidiana cuya belleza nadie puede negar.

una flor mirando al sol

noche de luna

Lo bello es lo eminentemente estético. Hay aspectos de la naturaleza que nos espantan pero que sin embargo son estéticos,  provocan nuestra admiración nos atraen contemplativamente. Por ejemplo, algunas rocas de forma monstruosa, insectos raros, que sin tener la fealdad repulsiva del arácnido, emiten extraños y fascinantes reflejos.

Cuando se trata de la belleza, surgen matices delicados a veces difíciles de distinguir con precisión. Por ejemplo lo bonito y lo hermoso. Lo bonito es la belleza bien proporcionada en el detalle, muy regular y armoniosa. Lo hermoso es mas bien una belleza de impacto, que depende menos del detalle que de la magnificencia del conjunto. Cercanas a la belleza, tenemos la gracia y la elegancia. La gracia es la facilidad en el movimiento, es como si el cuerpo que se moviera fuera ingrávido. La elegancia es la sobriedad en el color y la forma, la capacidad de llamar la atención sin ningún artificio especial.

Concepciones del arte

La belleza: según los sofistas griegos, un objeto es bello porque, sencillamente nos parece bello. Si un mismo objeto parece bello a una persona y feo a otra, no hay ningún criterio que permita saber lo que es, en si mismo. En el siglo XVII, el filósofo ingles Hume, ha sostenido que la belleza no está en el objeto sino en la reacción subjetiva ante él y explica el hecho de que la mayoría de las personas encuentren bello un objeto, por la existencia de una estructura psicológica común a todas ellas.

Subjetivismo en el Arte

el filosofo y psicólogo Theodor Hitt afirmaba que el fenómeno estético se produce porque nosotros proyectamos a los objetos y a las personas nuestros propios sentimientos. es decir cuando la gran mayoría reconoce un objeto de arte como bello es porque el artista al crearlo proyecto esa empatía entre creador y espectador.

Objetivismo en el Arte

Federico Hégel filósofo alemán afirma:”el arte no debe copiar a la naturaleza, sino lo que el artista siente de ella”. Este pensamiento del arte moderno, propugna la libertad espiritual y sentimental del artista, es decir, que las obras artísticas deben ser el resultado de lo que el artista siente, piensa, desea con absoluta independencia de la naturaleza.

Preguntas:

1. Que entiende Ud. por filosofía referente al arte?
2. Existen dos corrientes filosóficas sobre el arte; ¿con cual de ellas Ud. esta de acuerdo? ¿Porque?
3. ¿Porque razón se afirma que sólo el hombre es capaz de entender y practicar el arte?
4. Desde el punto de vista personal; existen o no diferencias entre lo bello y lo bonito? Explique ¿Por qué?
5. ¿Que opina Ud. sobre la frase vertida por el gran artista plástico Don Ricardo Grau; cuando una espectadora luego de observar una de sus obras de estilo moderno le preguntó al autor sobre el significado de las manchas y garabatos que había representado en este lienzo; y ¿porque en vez de ello no pintó siquiera una manzana? El pintor replicó diciendo: "el arte es como el amor, se siente pero uno no se explica".

la Flor y el tiempo - 1960

CDT

Saludos amigos de la Institución precursores 7086, en esta pagina trabajaremos el curso de Arte.

Técnica de la cuadricula

Trabajaremos el Paisaje

Trabajaremos el retrato

La Raya Verde (Fauvismo)

y muchas actividades artísticas mas.

Otros trabajos

Arte del Siglo XV

ARTE HUMANISTA

A principios del siglo XV, se inicia en Florencia un proceso de Renovación artística que plantea igualmente una ruptura con los principios formales del goticismo. Los siglos anteriores habían seguido un camino exageradamente místico.

CARACTERÍSTICAS

a.      Liberó al arte del misticismo, para hacerlo más humano y realista.

2. Usa al hombre como elemento primordial en su temática y de su estudio en lo que respecta a lo real y espiritual.
3. Se interesó en el ser humano por su doble naturaleza: Cuerpo y alma. (El cuerpo le permitirá superar sus creaciones artísticas por sus relaciones armoniosas y el Alma para dar a la obra el carácter y la trascendencia genial.

MASACCIO

Nació en 1401 en San Juan de Valdarno y murió en Roma en 1427. Fue el primer artista que concibió en forma definida las cosas naturales como masas y bulto; la idea de sustancia y solidez natural; la visión de profundidad volumétrica y la importancia de la luz en la representación corpórea. Sus figuras gozan de un admirable realismo táctil. Revelan sus personajes en sus actividades gestos y ademanes, una intensa vida espiritual.

a.      El Tributo de la moneda

2. Trinidad de Santa Maria
3. c.     Tríptico de San Juan Juvenal
4. d.     La expulsión de Adán y Eva

EL TRIBUTO DE LA MONEDA

FRAY ANGÉLICO

Nació en Vichio cerca de Florencia en 1387; murió en Roma en 1455. Santo, pintor, psicólogo, técnico insuperable. Su ascendencia aristocrática y su mística se refleja en los suaves y delicados personajes celestes. Sus obras son bellas debido a la brillantez y la frescura de sus colores. Sus obras más representativas son:

1. Crucifixión
2. El señor transfigurado en el Tabor
3. c.  Santo Domingo y el Crucificado
4. d. La Coronación de la Virgen

EL SEÑOR TRANSFIGURADO EN EL TABOR

FRAY FILIPPO LIPPI

Nació en Florencia en 1406 y murió en 1469. Son características llamativas el gran realismo debido a la prolijidad de los detalles; el refinamiento y la sutileza de sus formas; la exteriorización espiritual de sus personajes; sus fondos de tipo Leonardescos tratados con admirable profundidad perspectiva. Sus obras representativas son:

1. La adoración del Niño
2. Banquete de Herodes

BANQUETE DE HERODES

SANDRO BOTICELLI

Nació en Florencia en 1445 y murió en 1510. Melancólico, Sandro fue amante excepcional de la belleza. Sin interés por ninguna actividad que no fuera el arte. Boticelli infunde a sus personajes, sagrados y profanos, especial y reservada emoción, en cierto modo angelical; como seres desplazados de este mundo. Sus obras más representativas son:

1. Nacimiento de Venus
2. La virgen escribiendo el Magnificat
3. c.  La Primavera
4. d. Autoretrato

EL NACIMIENTO DE VENUS

EL RITMO

•          Es la estructura de dos o más sonidos organizados en un determinado tiempo.
•      Es la pulsación de la música en el tiempo.

      a)     El Compás

Es la división de la música en partes de igual duración. Este compás está dividido a su vez en partes  iguales que se denominan tiempos.

        

                                           

                                           

                                                                                                                                                             

        

          

      b)     Figuras musicales

Son signos con un determinado valor de tiempo.

Lectura Rítmica

utilizando el método Kodaly utilizaremos las siguientes silabas rítmicas.

TEMA: IMPRESIONISMO

-   Su nombre data desde 1874 cuando en París un grupo de artistas que habían sido rechazados de todos los salones de exposición, decidieron presentar al público una muestra de sus trabajos, asociándose bajo el nombre de “Sociedad Anónima de Artista, Pintores, Escultores y Grabadores”. A dicha exposición asistieron los mejores críticos de arte. Fue aquí donde una obra de Claude Monet, titulada “Impresión, sol naciente”, sirvió para que en tono sarcástico Luis Leroy los bautizara con el apelativo de impresionistas (incapaces, ignorantes, salvajes), debido a que estos artistas se habían apartado de los cánones del arte plástico.

¿QUE ES?

-  El Impresionismo es nueva expresión artística que aparece en Francia con el propósito de revolucionar el arte imperante en la época; va contra todos los cánones del arte clásico y sembró las bases del arte moderno.

¿DE DONDE VIENE?

-  Su origen no fue un fenómeno espontáneo, el impresionismo aparece como una nueva técnica de expresar la realidad temática de la época. Casi todos los pintores que iniciaron esta corriente fueron realistas, seguidores de Courbet (Pintor realista).

¿A DONDE VA?

-  El impresionismo toma a la naturaleza como modelo para su realización, descompone la línea en infinidad de reflexiones, dando paso a las formas sugeridas e inundadas de luz, el fin primordial de los impresionistas fue, presentar los objetos no como son realmente sino como aparecen modificado por la luz del sol, la luz natural y la atmósfera.

IMPORTANCIA

-  Sin lugar a dudas, los grandes avances alcanzados en el campo de la ciencia física y en especial dentro de la óptica y el color, traen como consecuencia la aparición del arte moderno.

CARACTERISTICAS

a.      En la naturaleza , ningún color existe por si mismo

b.      La coloración de los objetos es una ilusión óptica. El único creador de los colores es la luz solar que envuelve todas las cosas y las revela según las horas, con modificaciones infinitas.

c.       La pintura no es imitación de la naturaleza, sino una interpretación de la misma.

d.      Es eminentemente paisajista y policroma.

e.      Su técnica es original y revolucionaria.

f.       Usa solamente los colores espectrales, aplicados sin mezcla en forma dividida o yuxtapuesta.

¿QUE AMA?

-  Ama la naturaleza y la luz que para ellos son indispensables. Ama el paisaje, el color, el sol y la atmosfera.

¿QUE ODIA?

Odia la copia fiel de la naturaleza (pintura realista) odian la monumentalidad de las composiciones prefieren el campo de sus talleres; odian los cánones en los que estaba inmerso el Arte Plástico, no usan lo negro en sus composiciones ya que este elimina el carácter de los colores.

REPRESENTANTES

F  Claude Monet

F  Edouard Manet

F  Auguste Renoir

F  Edgar Degas

F  Camille Pisarro

F  Alfred Sisley

Actividad: dibujar en A4 una obra impresionista con la ayuda 

de un modelo.

Arte Rupestre 1ra parte

TEMA: ARTE RUPESTRE

Se denomina a toda manifestación en forma de pintura y grabado (rupes=roca) que fueron realizados en las rocas de las cavernas por los hombres primitivos.

Un hueso hallado en Suiza a mediados del siglo pasado, permitió a los investigadores establecer que fue un hombre de la era cuaternaria (el Cromagnon), el artista que realizo dibujos sencillos y de propósito simbólico. Estos dibujos no se diferencian en lo esencial con lo que efectúa sobre una tela blanca, mediante pinceles y colores, un pintor de nuestros días.

El hombre primitivo dibuja las cosas como símbolos para poseerlas y así conocerlas.

Técnica y color

F  Utilizaba el pintado directo.

F  Los colores que utilizaban fueron de origen mineral.

F  El aglutinante era la clara de huevo de animales silvestres.

F  Los colores que mas utilizaban eran el ocre rojizo, el ocre amarillo y el negro humo.

Las más importantes muestras de pintura rupestre

F  La cueva de Altamira (España)

F  La cueva de Font de Gaume (Francia)

F  La cueva de Lascaux (Francia)

F  La cueva de Lauricocha (Peru)

F  La cueva de Toquepala (Perú)

Características de la pintura rupestre

¨      Las paredes de las cuevas de Europa fueron lisas, en cambio, en el Perú, las paredes de las cuevas eran rugosas.

¨      Todos sus dibujos eran de perfil y le daban volumen mediante color.

¨     Las líneas que emplearon fueron trazos con soltura.

¨     Su configuración fue realista.

- Practica de dibujo:

Realizar el dibujo rupestre de la cueva de Altamira a gran escala; mediante la técnica de la cuadricula.

Arte en la Prehistoria